( Välkommen till The Final Girl , en vanlig funktion från någon som har undvikit skräck och är redo att äntligen omfamna genren som går bump i natt. Nästa på listan: James Whales två monsterfilmklassiker, Frankenstein och Bruden av Frankenstein .)
När / Filmchefredaktör Jacob Hall berättade för mig att de två första filmerna Jag skulle titta efter Det var Frankenstein och Bruden av Frankenstein , Andade jag en lättnad. Nej. Jag var mer än lättad, jag var extatisk. Gotisk romantik! Födelsen av science fiction! Förkoda filmer! Det var mitt bröd och smör.
Så det blev en tyst överraskning för mig att jag inte hade sett eller läst Frankenstein än. Jag kände naturligtvis till mytorna - det skruvhuvudiga monsteret, de häftiga skriken från 'It's alive', Gene Wilder och Mel Brooks 'hysteriskt roliga satir av den klassiska filmen, Unga Frankenstein . Jag var så bekant med historiens slag och hade sett berömda scener otaliga gånger i bakgrunden till andra filmer, men hade faktiskt aldrig sett James Whale 1931-klassikern och dess uppföljare. Det var hög tid att avhjälpa det.
när kommer babyboss ut
Jag bestämde mig för att titta på filmerna först innan jag läste Mary Shelleys bok, som jag hade köpt för länge sedan och samlade damm någonstans i min bokhylla. Jag ville gå in färskt - om en sådan sak var möjlig för en berättelse som har blivit en av de mest allmänt kända monsterfilmerna i historien.
Frankenstein (1931): The Makings of a Monster
Det första jag märkte direkt från bat var att Frankensteins Monster hölls ett mysterium i de inledande krediterna, markerade som helt enkelt '?' Detta känns som ett djärvt drag för Hollywood som 1931 var på väg att perfektionera studiosystemet som skulle få Hollywood-guldåldern i slutet av 30-talet och början av 40-talet. Ingen stjärna? Ingen Bela Lugosi, som nyligen blivit berömd med Dracula och var tydligen förstahandsvalet för delen? Så djärvt!
Den faktiska början av filmen känns lika djärv, med det första skottet som panorerar mot den skelettmässiga gräsklipparen som står vakt över en begravning, som slutar strax innan den knäckta Fritz dyker upp huvudet och hjälper sin herre Frankenstein att gräva upp kroppen. (Nu när jag nämner Lugosi undrar jag om bilderna är en hänvisning till Lugosis vägran att spela The Monster eftersom han inte kom till Amerika för att 'vara en fågelskrämma.') Hur som helst, filmen sipprar redan makabert, tre år innan termen 'skräck' myntades som en filmgenre.
Men det känns inte heller så gotiskt, med en tom impressionistisk målad bakgrund som fylls i för den molniga himlen, och Fritzs vidögda deformitet som låter filmens dumma, men lite ytliga atmosfär. Whale leker med en virvel av element som svänger mellan hyper-artificiell och hyper-realistisk: den karga medeltida arkitekturen i Frankensteins laboratorium omgiven av industrimannen - nästan steampunk-utseende - utrustning, den extravaganta gotiska herrgården som Frankensteins fästmö Elizabeth bebor, den solkyssade byns och skogens dagliga miljö, och den väderbaserade klippans och starka natthimlen har ökat artificiellt.
Bortsett från dess till synes gotiska rötter, Frankenstein påminde mig om den tyska expressionismrörelsen - särskilt i dess användning av silhuetter och skuggor för att markera filmens groteska bilder, som Fritzs puckelrygg. Dessa silhuetter ger ett trevligt kontrakt Frankenstein med sin helt vita uniform, som skär en allvarlig form för den redan bleka och avtagande Colin Clive.
Låt oss prata lite om Fritz. Jag blev förvånad över att höra att han var en uppfinning av filmen, så sammanflätad att han blivit med arvet från Frankenstein . När åren har gått har han blivit lika känd som huvudpersonen och hans monster själv, även om hans namn så småningom utvecklades till Igor. Den deformerade, fördärvade karaktären tappar in i den gotiska fascinationen av vansinne och oro och bokstavligen vrider en persons kropp. Under mycket av filmen fungerar han till och med som en fysisk manifestation av Frankensteins vridna kärna, eller hans id. Karaktärens grund i Dwight Fryes olycksbådande, elektriska (hah) prestanda är desto mer fascinerande för mig, och jag önskar att Fryes ikoniska skildring av den tråkiga assistenten - och vars grymhet är vår första indikation på att människor var de riktiga monster - kunde komma ihåg lika bra som Boris Karloffs Monster.
Men Clives prestation imponerade mest på mig. Även om det är melodramatiskt påverkar hans frenetiska, oavbrutna skildring av Frankenstein (underhållande kallad Henry istället för Victor här). Det är nästan en modern föreställning i hans fullständiga emotionella och fysiska engagemang för rollen. Hans oreserverade leverans av ”It's alive! Det är levande!' mitt i det sprakande åskan och blixten skickar frossa ner i ryggraden istället för skratt.
Det finns mycket att säga - och har redan sagts - om Karloffs ordlösa, vilt empatiska framträdande som Monster. Det är en genial skildring och en som länge har ersatt Mary Shelleys överraskande erudit Monster. Han är kakad i filmsmink, han kommunicerar i grymt och han plågar som en varelse vars lemmar är för tunga för honom, men ändå blir han omedelbart den mest sympatiska karaktären i hela filmen och symbolen för den milda jätten. Karloff lyckades injicera nyans i rollen, som co-star Mae Clarke (Elizabeth) senare skulle berömma i en intervju talar om Monsterets första möte med ljus:
kommer det att finnas en andra säsong av karnevalsraden
”Jag tyckte att Karloff var magnifik. Den scenen med takfönstret! När han tittade upp och upp och upp och viftade med händerna mot ljuset var det en andlig lektion: Att se på Gud! Det var som när vi dör, Beatific Vision, som får människor att förstå orden: ”Öga har inte sett eller hört öron, de härligheter som Gud har förberett för dem som älskar honom.”
Fortfarande, Frankenstein är inte rädd för att gå in på några mörka platser, särskilt med Karloffs komplicerade Monster.
Knäcka koden
Jag håller på att bli upphetsad över Hays-koden här. Hays-koden var Hollywoods uppsättning självpåförda riktlinjer för censur som föregick MPAA-klassificeringssystemet. Det var ett svar på den moraliska upprördhet som riktades mot Hollywood-studior, som hade drabbats av kändisskandaler och alltmer otäcka och våldsamma inslag på storskärmen när teknologier och berättartekniker utvecklades. Förbudet började bara avta när Hays Code installerades 1934, men mycket av den moraliska puritanismen som skapades från den rörelsen överfördes till Hollywood istället. Medan Hays Code uppmuntrade filmskapare och studior att kringgå reglerna på allt kreativare sätt som skapade en guldålder i Hollywood, satte den branschens framsteg tillbaka årtionden och förbjöd interraciala förhållanden, långa kyssar, våld och sympatiska skurkar.
avengers ålder ultron karaktärer
Att ta bort en sympatisk skurk skulle ha hoblat Frankenstein Påverkan, som är starkt beroende av att publiken sympatiserar med en moraliskt grå hjälte - oavsett om det är Frankenstein eller Monster. Lyckligt, Frankenstein existerade under den korta tiden mellan introduktionen av ljud 1927 och början av den styva Hays-koden 1934, som gjorde det möjligt att inkludera scener som var chockerande även för mig.
Fritzs våld mot monsteret var det första ögonblicket som slog mig. Han tar fram en piska för att tortera monsteret i sin cell strax efter att han hade skrämt monsteret, som fram till dess hade hållits gömt i mörkret, med en eldig fackla - en av förekomsten av de bisarra mytologiska parallellerna till Icarus, den arroganta sonen i den grekiska myten som flög för nära solen. Den myten har ofta blivit en liknelse för hubris och straffas för den, men här är det eld som först skrämmer monsteret, skapandet av den galna vetenskapsmannen som försöker att apa Gud. Roligt faktum: scenen med Dr. Frankenstein som skriker euforiskt: ”Det lever! I Guds namn! Nu vet jag hur det är att vara Gud! ” försvann nästan för etern efter att Hays-koden installerades - men återställdes i senare utgåvor.
Naturligtvis var den mest upprörande scenen som blev en källa till kontroverser redan före Hays Code den oavsiktliga drunkningen av den unga flickan som blev vän med monsteret. Ligger under dagtid på en expansiv utomhusäng - en skurrande kontrast från de målade bakgrunderna - snubblar monsteret på en liten flicka som kastar blommor i en sjö. Till skillnad från alla de vuxna som han hade stött på, är hon orolig av hans utseende och ber honom att gå med henne och de turas om att kasta hennes handfull blommor i vattnet för att se dem flyta. Men när de tar slut tar det upphetsade Monster tag i flickan och kastar henne i vattnet, förutsatt att hon också skulle flyta. Men hon dyker inte upp igen och oroligt flyr monsteret. Scenen går på en lina av sympati och blir vändpunkten där publiken får välja att anklaga monsteret. Historien går så småningom vidare innan du kan fatta ett beslut, men dröjer kvar länge så att du kan idissla om den chockerande händelsen som just utspelade sig - desto mer av den glada, realistiska inställningen.
Frankenstein trivs i dessa klassiska sammansättningar - som senare görs ännu mer oroande när den jublande byatmosfären avbryts av den förbluffade fadern som snubblar genom staden med sin döda dotter i famnen. Hur snabbt den jublande publiken snabbt vänder sig till en pöbel och hur snabbt oskuld dagtid plötsligt återvänder till de klaustrofoba nattuppsättningarna.
Den sista bilden av väderkvarnen i lågor när monsteret jagas av den arga pöbeln är fantastisk, och ett slut som bara kunde uppnås i en Pre-Code-film. Även om monsteret förmodligen dödas medan Frankenstein lever, Frankenstein konstigt lämnar dig med en helig, existentiell känsla. Det finns ingen finalitet här.
